Kuratorliste

Welded metal

The work takes the theme of "tearing open" literally. A piece of canvas fabric is torn open in the middle and a piece of nylon emerges, forming a fragile object.

AUFRISS für eine bessere Zukunft.
(An die Wand treten die Augen schliessen und sich etwas wünschen)

Fine Art PRINT with mirrored frame
Price Upon Request.
Fine Art Print Edition 5 + 2 AP

3 + 2 AP

Die Arbeit aus der Porträt-Serie ENDLICH (FINALLY) von Klaus-Martin Treder beschäftigt sich mit der Materialität und Kontextualisierung von Malerei und Gegenstand. Die Haare ebenso wie Kaugummi oder Plastikdeckel, die über die Farbschüttung verstreut sind, werden zu naturalisierten Malmitteln, Objekt und Farbträger zugleich. Sie übernehmen eine bildnerische Funktion und beinhalten überdies den ihnen eigenen Referenz- und Zeichenwert. Alle Komponenten werden an die Malerei gebunden, gleichzeitig kreist diese signifikant um den Menschen, der als Pars pro Toto effektiv Teil dieser anthropomorphen Malerei ist.

"The Perfect Human Being 2” is a video piece and part of an artwork series that delves into the relationship between the human body and the digital realm, shedding light on contemporary issues surrounding body image and societal standards. In a world where the battle against body shaming and harmful stereotypes rages on, this artwork challenges our preconceived notions of physical perfection and our ever-evolving connection with technology.
"The Perfect Human Being 2" explores the idea of transferring culturally ingrained ideals of the 'perfect' body onto digital entities, creating a dialogue between human and machine. The piece takes a critical stance on how machines perpetuate clichéd representations of the 'ideal' body, serving as a mirror reflecting the toxic body ideals we're exposed to in our daily lives.
The machine used to generate this video was was trained with a diverse array of body images, each deliberately deviating from the stereotypical standards of beauty, combined with the prompt “The perfect human being 2”. As we watch the digital realm confront us with replicas of a redefined body ideal float by as thought clouds, we are compelled to question the origins and consequences of our cultural fixation on appearance. Based on Stable Diffusion, Dreambooth.

PilzträgerIn ( mushroom career) is based on my grandmothers sculpture of an epée fencer which lost its the blade. ( Room installation , hanging from the ceiling, doubled sided)
In my painting I have been working for more than two decades on an extensive family album.
My research into the complexity of family connections has evolved from the personal into the universal. It increasingly includes elective kinship relationships, alter egos, art historical and neurobiological quotations, as well as mythological and contemporary historical elements. I use the distinct physical and sensual qualities of encaustic painting to visually explore the recurrent themes of my work:Overwritings of memories, paradoxical communications, intergenerational emotional inheritance and afterimage phenomena.

Ich sehe meine künstlerische Arbeit als eine Art malerische Grundlagenforschung an, in der ich das Verhältnis von Linie zu Bildfläche untersuche. Es sind hauptsächlich Fragen, die meine Beschäftigung mit dem Medium Malerei aufwirft, z.B.: wie ist die Beschaffenheit der Leinwand, welche Farben wähle ich, wie kann ich die „Leere“ als eigenständigen Bildteil nutzen, wie intensiv muss der sichtbare Hintergrund bearbeitet sein, in welchen Bildgrößen will ich arbeiten, setze ich die Linie eher intuitiv/körperlich ein oder muss ich sie vorher planen? Soll die Zeichnung/Geste in sich räumlich, grafisch oder umrisshaft sein? Welche Ausdehnung in der Fläche soll die Zeichnung bekommen? Wann wird es zum Körper, Gebilde, etwas Architektonisches oder zu einem Zeichen? Und was sagt das inhaltlich? Die fertigen Gemälde verstehe ich als visuelle Möglichkeiten diese Fragen, die sich mir in der Betrachtung meiner Arbeiten und im Prozess des Malens selbst auftun, zu beantworten.

KATHARSIS BERLIN visualisiert die Befreiung von einer inneren Spannung, indem das Werk unterschiedliche, künstlerischen Ausdrucksformen miteinander verknüpft.

Typografie, Poesie und die Jahrtausende alte, meditative Zen-Technik des Anordnens und Formierens von Steinen/Sand gehen dabei eine Symbiose ein und sollen den Prozess der Katharsis allegorisch begleiten.

Der Inhalt des Gedichts wird dabei auf eine Acrylglasscheibe „tätowiert“, um den Taumelkäfer (Gyrinidae)als Hauptdarsteller in Szene zu setzen.

Die Katharsis soll dadurch in Form der Entladung durch die Sehnsucht und Rückbesinnung nach allem Natürlichen im Widerspruch zum urbanen „Alltagstaumeln“ symbolisiert werden.


KATHARSIS BERLIN visualizes the liberation from an inner tension by linking the work different, artistic forms of expression.

Typography, poetry and the millennia-old, meditative Zen technique of arranging and forming stones/sand enter into a symbiosis and are supposed to accompany the process of catharsis allegorically.

The content of the poem is "tattooed" on an acrylic glass pane in order to stage the dew beetle (Gyrinidae) as the main actor.

Catharsis is thus to be symbolized in the form of the discharge through the longing and return for everything natural in contradiction to the urban "everyday tumbling".

Die Arbeit "Subaquatik_Spree_Plastic Bags" entstand im Rahmen der Kunstaktion Fishing for Future, die über einen Zeitraum von 8 Wochen im Sommer 2023 im öffentlichen Raum am Ufer des James-Simon-Parks in Berlin stattfand.
Das Wasser in diesem repräsentativen Abschnitt der Spree, weißt auch die höhen Verschmutzungswerte der Stadt auf.
In Ihren Lumenprints thematisiert die Künstlerin die Präsenz von Plastik im Wasser und betont die Verantwortung jedes Einzelnen im Umgang mit dieser wichtigen Ressource.
Durch Ihre Arbeiten und Kunst Aktionen möchte Sie die Menschen dazu inspirieren, ihre Beziehung zum Wasser zu reflektieren und sich für den Erhalt der natürlichen Umwelt einzusetzen.

“Meine skulpturalen Arbeiten fokussieren sich auf physische und psychische Zustände, die sich in einer fragilen Balance halten. Es haftet ihnen eine surreale, fast traumartige Aura an.
Das Spannungsverhältnis zwischen Zerbrechlichkeit und Massivität findet seine Entsprechung in den organischen Formen, die mit unterschiedlichen Erinnerungen und Bedeutungen beladen sind. Es wächst geschweißtes Eisen mit einer organischen Form aus Keramik zusammen. Zeitaufweniges Flexen und Polieren bringen die gewünschten Tiefen und Effekte in den Lichtbrechungen des Metalls.

2 drawings, covering, looping. They become a single drawing, a single moment. Can this be? And: who comes first?

This painting is about the evolution of the the body in public.

Meine Malerei entsteht in intensiver Auseinandersetzung mit unserer von neuen Technologien geprägten Lebenswelt. In meinen Werken werden fragmentarische Bezüge zu digitalen Phänomenen, wissenschaftlichen Erkenntnissen und philosophischen Denkmodellen eingesetzt, um nach der Substanz der Wirklichkeit im Spiegel des digitalen Wandels zu fragen.
Charakteristisch für die Werke ist eine rasterartige Struktur, die sich aus dem Zusammenspiel von Farbauftrag und Malgrund ergibt. In unterschiedlich starker Deckkraft wird die Ölfarbe mit dem Spachtel auf ein grobmaschiges Jutegewebe aufgetragen, wodurch die Beschaffenheit der Leinwand sichtbar bleibt und zum wesentlichen Bildbestandteil wird. Es entsteht pixelartig wirkende Struktur, die zwischen abstrakten Gebilden und schemenhaft oder deformiert erscheinenden menschlichen Figuren changieren. Die Werke beschäftigen sich mit dem Einfluss des Digitalen auf unser Erleben.
Selbstdarstellung, Informationsdichte und Umgang mit Bildern, dieses Phänomen sowie unsere Verhaltensmuster in der digitalen Welt, werden hier angesprochen, und in das klassische Medium der Malerei übersetzt.
An die Stelle des Blickes aus dem Fenster auf die Welt tritt hier der Blick auf den Monitor, der Körper, Raum und Perspektive in eine zweidimensionale Fläche nivelliert, Proportionen ignoriert und alles gleichermaßen präsent erscheinen lässt.

Das vierfache Gesicht, aus der aktuellen Serie "Double-Faces" hatte auch einen digitalen Ursprung. Die dafür typischen verwischte Linien, die der wesentliche Bestandteil der Bildkomposition sind, erinnern an ein durchgeschnittenes Objekt, wie es in der Wissenschaft zu Forschungszwecken üblich ist.

The work shows a cut-out silhouette of a contemporary pole dancer. On the body frame are numerous small images of goddesses who were worshipped. The frame creates an outside - the physical form - and an open inside - for ideas, characteristics and identifications.

A tribute to modern women and the current social conditions in which we live are part of the thinking behind this work.

"Abb. 31: Erstkontakt: Ein Hochlandbewohner aus Neuguinea weint vor Entsetzen, als er zum ersten Mal einen Europäer sieht. Aufgneommen 1933 von der Leahy-Expedition."

Digitale Zeichnung auf Smartphone als Fine Art Print auf Aludibond hinter Acrylglas.
Exemplar / Auflage 1/5

This artwork is part of the series "Andratx Scribbles" from the CCA-Residency in March 2023 Andratx, Mallorca.

mushrooms

The focus is on collage as an image creation system, both on paper and as a methodically reflected approach to work processes, history and historicity. What is produced is not understood as a product, but always as a means for further production.

The focus is on collage as an image creation system, both on paper and as a methodically reflected approach to work processes, history and historicity. What is produced is not understood as a product, but always as a means for further production.

This print is based on an enlarged representation of human skin and explores the parallels and differences between human and snake skin. Part of a series of works by Marlene Bart focusing on microscopic images of skin, this artwork explores the relationship between the species, highlighting the remarkable similarities and differences in texture and patterns between human and snake skin. Through Bart's meticulous study, this work invites reflection on our interconnectedness with other species and provokes discussion about the intricacies and common elements of the natural world.

Portrait

Portrait

Portrait, oil on canvas

be naked when i get home

Hormones:
Estrogen & Testosterone
I’ve decided to use found scientific microscopic images of the two hormones: Estrogen and Testosterone.

I found inspiration from these images and want to portray why we as humans are unique compared to AI which is learning from prompts but can not understand feelings of genuine emotion, such as love.

“In human beings, a male gamete, or spermatozoon, unites with a female gamete, or ovum, at the moment of conception, following the sexual act. From the zygote develops an embryo, from the
embryo a fetus, and after some nine months a baby is born, helpless at first, but soon to develop
all the physical and mental facilities of an independent, new member of the species. With the surge of hormonal activity at puberty that individual in turn becomes able to reproduce and so the cycle of life continues.”- Rand McNally Atlas of the Body and Mind

Crystals Of Estrogen
Crystals of the sex hormone Estrogen, left, is photographed with
polarized light.

"Estrogen is primarily involved in female fertility, but small amounts are also secreted by the male, for it is the balance between the male and female hormones which determines sexuality."
- Rand McNally Atlas of the Body and Mind

Crystals Of Testosterone
Male sex hormone. Polarized light micrograph of crystals of testosterone. Testosterone is the main human androgen, the class of steroid hormones responsible for the development of male reproductive organs and secondary sex characteristics. It is mainly produced in the testes by the action of a series of enzymes on pregnenolone, a steroid derived from cholesterol.

Testosterone may be used in hormone replacement therapy to
treat delayed puberty in boys, hypogonadism and some types
of impotence. In women, testosterone may be effective in the treatment of breast cancer."
by Sidney Moulds

In 2022 I prompted AI to do a self portrait

During my last time in Berlin I shared a meal with my friends, Bex & Sergio, at Nobelhart & Schmutzig. Vocally local about their menu, we were served a surprising dish with an egg cream. As the server explained the course she started with a description of the chickens and how they were raised and ended the introduction of the dish by calling the egg, “quite a romantic egg.” A romantic egg? How can an egg be romantic? We took a bite, our eyes grew big, and we each exhaled, “that is a romantic egg.” It may seem silly but I’ve thought about that egg for a long time. When I was invited to create a painting based off an AI generated image I knew immediately it was a moment to paint a romantic egg; an idea I couldn’t conceptualize on my own. This romantic egg is my love for Berlin, a city I have visited frequently in the last five years. Something so unexpected, love at first bite, bold, and dreamy all at the same time that keeps me coming back for more. This romantic egg is my ode to Berlin.

Mein Interesse an der Arbeit mit AI hält sich in Grenzen. Letztlich fehlt der zeitliche Bezug, die Patina der Zeit selbst,AI Bilder haben für mein Empfinden keine Biografie.

1994.Fehlende Bilder. Die Fotos sind seine Antwort. Den Alltag auflösen. Schwarz-Weiß. Das Foto eines sich auflösenden Hauses ist schön, weil es wahr ist. Dieses Foto ist ein Beweis. Ein sich auflösendes Haus spricht auf einem Foto über die vergangene und die gegenwärtige und die gegenwärtige und die zukünftige Zeit. Es ist das Schicksal das wir haben werden.

Digital portrait of a youth in the classic style of chiaroscuro sporting vibrant orange hair and sunglasses.
Auflage von 10.

For the text of "TELL ME HOW IT ENDS" a prompt was used: The AI ChatGPT was kindly asked to declare the (self inflicted)extinction of the human race in ten stages (regarding challenges with environment and AI) - and then to tell a joke. The footage was filmed between 2018 and 2023. The film contains an excerpt of the artist's original composition "STRINGED SYMPHONY OF LOVE"/2021

Die Arbeit beschäftigt sich mit der gesellschaftlichen Frage "Möchten wir eine Verknüpfung zwischen Mensch und Maschine?" Was macht einen Menschen einzigartig und was unterscheidet uns von Maschinen?

Sven Vollbrecht explores the question of what is in store for humanity as a result of artificial intelligence.

Somewhere in between Nature Morte and landscape paintings, "By the forest" explores how AI can be utilized simply as another tool in a modern day artist's palette. Pictures taken from Scheer's recent trip to Marseille & Paris are being combined with AI-generated images, reworked with digital tools in a post-production process, and finally photographed by a Polaroid camera. In this scenario, AI can be seen as one of the co-creators, among many others, of the piece.

The picture "Page not found" is from a piece of clothing from a Chinese wholesaler. The saying on the zipper had inspired me to bring the picture to the canvas. The image does not show a well-known logo or brand. It wants to be seen and yet unrecognized. It's like an insider of fake brands that you can't find on the internet. So the question arises again in painting, what constitutes "originality" in terms of artistic intelligence?

Infinite state of transition is an AI-generated artwork created in 2022 by Alexandre Silveira and Katia Cutropia. It uses a selection of Katia's photographs as training data for an AI that can blend and transition between the visual styles and landscape elements from Katia's real-world photos. This allows it to synthesize completely new and unique places that never existed. The AI can represent these nonexistent places either as static images or as videos that dynamically transition between scenes in an unending flow.

Wenn Sich ein Muster in der Datenmasse abzeichnet, Handlungen berechenbar werden und Zukunft vorhersehbar...

Koordinaten: 38.798588, -9.4187477
Datum:27.10.2027
Uhrzeit: 7:47

Midjourney Bot
BOT
— heute um 10:07 Uhr

1️⃣ Ein Gemälde einer Person, die in der Nähe eines Berges steht, im Stil surrealer architektonischer Landschaften, Passage, Anna Dittmann, Joseph Beuys, dramatische Diagonalen, Kevin Hill, Blau --AR 111:128.

2️⃣ Ein Gemälde eines Engels in einer Höhle und einer Person, die sich festklammert, im Stil surrealer architektonischer Landschaften, sanfter Kubismus, realistische Landschaften mit weichen Kanten, Noah Bradley, durchscheinendes Wasser, dramatische Diagonalen, Indigo und Cyan --AR 111:128.

3️⃣ Oger in einer Höhle – mein Kunstwerk, im Stil der atmosphärischen Abstraktion, helles Indigo und Hellgrau, surreale architektonische Landschaften, Öl auf Leinwand, Traumlandschaftsporträt, Futurismus, fließender Pinselstrich --AR 111:128.

4️⃣ Ivy Lorenzana, 'Es ist Sommer', digitales Gemälde, im Stil der atmosphärischen Perspektive, geheimnisvolle Figuren, schwerkrafttrotzende Landschaften, erodierte Innenräume, Hellnavy und Himmelblau, Ölgemälde, dramatische Diagonalen --AR 111:128.

KÜNSTLERISCHE ABSICHT:
Während ich das Aufkommen der KI beobachte, sehe ich, wie ihr enormes Potenzial sich vor meinen Augen entfaltet.
Sie erschafft Szenen aus unbekannten Perspektiven, ohne die Einschränkungen der physischen Gesetze.
Mich fasziniert das Unbekannte zutiefst, und ich bin bereit, darauf zuzusteuern und aktiv und positiv an dem Unbekannten mit zu gestalten.

Marlene Bart's artistic research and work delve into historical systems of order that have influenced our culture since the Early Modern period. In her latest creation for the "Berlain" exhibition, she reimagines the concept of a contemporary cabinet of curiosities. A central piece in this artwork is a 3D scan of the goddess Diana, whom Bart interprets as a "huntsman" of visual information in her various works. "Diana Reloaded" fuses Diana with elements like corals and skulls, referencing the aesthetics of historical cabinets of curiosities.

The sculpture's construction involved a variety of computer-assisted design techniques, from 3D scanning a coconut for scaling and component adjustments to incorporating public domain scans of the Diana sculpture. The parametric generation of the coral, using Python scripts developed with ChatGPT 4, was another integral aspect. Early conceptual exploration with Dall-E 3 helped envision the sculpture's final appearance, showcasing Marlene Bart's innovative, multidisciplinary approach to art.

AI transposed Object Images (O—I) of Mikloweit's O—I_MMdUB(50215_1_AF6_vid.jpg) and O—I_MMdUB(50306_2_AF6-_vid.jpg).
The AI transposition is based on two german colonial mineral objects from Tsumeb, in contemporary Namibia.

The mineral objects #50251 and #50306 are presently part of the Museum of Mineralogy University Bonn collection.

Description: In verschiedenen Schichten aufgebaut, wird der seit dem 6. Jhd. existente Mythos des vermeintlichen Monsters von Loch Ness als sinnbildhaftes Palimpsest gezeichnet, dessen abyssale Schlünde die ambivalente Faszination assoziieren können, die das Unbekannte und Unerklärliche einstweilen auf uns auszuüben vermag, auch im Hinblick auf die verschlingende Entwicklung der technischen Möglichkeiten künstlicher Intelligenz, durch die diese Komposition unterstützt wurde.

Die Arbeit entstand in Zusammenarbeit mit Fabian Hampel. Sie ist Teil einer Werkserie, welche Fantasy Videospiele als Erfahrungsraum für Selbstwirksamkeit und Mittel im Umgang mit Ohnmachtserfahrungen, die durch realweltliche Krisen ausgelöst werden, untersucht.

Für die Portraits wird zunächst ein eigenes Stable Diffusion Modell mit Porträtaufnahmen Linda Marwans trainiert. Dieses Modell ist anschließend in der Lage Marwan darzustellen und wird mit diversen anderen Modellen, denen beispielsweise auf den Fantasy-Bereich spezialisierte Datensätze zugrundeliegen, kombiniert. Weiterhin folgt ein Werkstattprozess; in einem mehrstufigen Verfahren werden die entstandenen Bilder wieder und wieder durch den hochdimensionalen Raum der KI gelenkt, dabei kontrolliert verändert und auf eine hohe Auflösung skaliert. Mit diesem Arbeitsprozess entstand das "Selbstporträt als Ritterin", welches den Ausgangspunkt für eine kommende Serie bietet.

LIEBE / ANGST are two fragrances whose recipe and production were created and instructed by an A.I.. By exploring our sense of smell, the question arises: to what extent do we allow technology to shape and define our most intimate, sensory experiences? The ability of algorithms to interpret and create complex human emotions and sensory experiences is presented to discussion in an intimate and unexpected way.

The piece is also about the dilemma of authenticity versus artificial replication, in an era where synthetic experiences are becoming increasingly prevalent and potentially eclipsing the human.

"The Perfect Human Being" is a video art work that delves into the relationship between the human body and the digital realm, shedding light on contemporary issues surrounding body image and societal standards. In a world where the battle against body shaming and harmful stereotypes rages on, this artwork challenges our preconceived notions of physical perfection and our ever-evolving connection with technology.
"The Perfect Human Being" explores the idea of transferring culturally ingrained ideals of the 'perfect' body onto digital entities, creating a dialogue between human and machine. The piece takes a critical stance on how machines perpetuate clichéd representations of the 'ideal' body, serving as a mirror reflecting the toxic body ideals we're exposed to in our daily lives.
The machine used to generate this video was was trained with a diverse array of body images, each deliberately deviating from the stereotypical standards of beauty, combined with the prompt “The perfect human being”. As we watch the digital realm confront us with replicas of a redefined body ideal float by as thought clouds, we are compelled to question the origins and consequences of our cultural fixation on appearance.